Prima del termine
La possibilità di costruire una fotografia attorno a un’idea è antica quasi quanto la fotografia stessa.
Già nell’Ottocento i fotografi mettevano in scena situazioni, combinavano negativi, ricostruivano eventi storici o immaginari e utilizzavano il mezzo per esplorare il confine tra testimonianza e finzione. L’Autoritratto come annegato di Hippolyte Bayard del 1840, per esempio, è uno dei primi casi in cui una fotografia venne deliberatamente costruita per comunicare un’idea.
Non è necessario ribattezzare retrospettivamente questi precedenti come fotografia concettuale. La loro importanza è un’altra: ricordano che la fotografia ha sempre contenuto possibilità che superavano la semplice descrizione.
Il cambiamento storico decisivo avviene quando queste possibilità entrano a far parte di una più ampia ridefinizione di ciò che un’opera d’arte poteva essere.
Gli anni Sessanta e Settanta
Durante gli anni Sessanta, le distinzioni consolidate tra le discipline artistiche vengono messe in discussione da più direzioni. Minimalismo, Arte Concettuale, performance, Fluxus, Land Art e pratiche fondate sul processo spostano l’attenzione verso sistemi, azioni, proposizioni, materiali, durata e contesto.
L’oggetto concluso cessa di essere l’unico possibile centro dell’attività artistica.
La fotografia si rivela particolarmente adatta a questo nuovo scenario.
Un intervento nel paesaggio può scomparire. Una performance può durare pochi minuti. Un’azione può avvenire senza un pubblico convenzionale. Un sistema può generare una serie di osservazioni anziché un oggetto unico.
La fotografia può conservarne una traccia.
Ma il suo ruolo diventa rapidamente più complesso della semplice conservazione.
Nel caso di Shunk-Kender, per esempio, la fotografia documenta talvolta performance e in altri casi partecipa direttamente alla realizzazione dell’opera. Le immagini di Pier 18 testimoniano i processi sistematici, performativi e spesso ludici caratteristici di quella stagione.
La distinzione è fondamentale.
La fotografia poteva essere testimonianza di un’opera, elemento all’interno dell’opera oppure la forma principale attraverso cui l’opera stessa esisteva.
Contemporaneamente, autori come Ed Ruscha, John Baldessari, Douglas Huebler e Jan Dibbets esploravano sequenze, libri, istruzioni, ripetizioni e rapporti tra testo e immagine. Il significato nasceva frequentemente nello spazio tra ciò che l’immagine mostrava e ciò che il linguaggio invitava a comprendere.
Anche l’apparente neutralità della fotografia poteva diventare produttiva. Un’immagine volutamente ordinaria poteva spostare l’attenzione dalla virtuosità dell’immagine al sistema, alla proposizione o alla domanda che governava il lavoro.
Serialità, confronto e tipologia
Uno degli sviluppi più influenti riguarda l’organizzazione delle fotografie in gruppi.
Bernd e Hilla Becher fotografarono sistematicamente strutture industriali secondo condizioni coerenti e presentarono i risultati in griglie. Il metodo permetteva di confrontare strutture simili appartenenti a luoghi e funzioni differenti. Definirono questi insiemi tipologie.
La loro pratica è contemporaneamente legata a precedenti documentari e in dialogo con i procedimenti seriali del Minimalismo e dell’Arte Concettuale. Il loro lavoro mise inoltre in discussione la separazione percepita tra fotografia documentaria e fotografia d’arte.
L’importanza della tipologia risiede anche in ciò che accade tra le fotografie.
Una torre dell’acqua ci parla di una torre dell’acqua.
Venti torri dell’acqua fotografate secondo un metodo coerente permettono alla differenza stessa di diventare visibile.
La ripetizione produce confronto; il confronto produce conoscenza.
Il significato del lavoro risiede quindi sia nelle singole immagini sia nella struttura che le mette in relazione.
Questo principio avrà un’enorme influenza sulla fotografia successiva.
Dalla formazione storica alla pratica ampliata
Negli anni Ottanta e Novanta molte strategie associate alle precedenti pratiche concettuali entrano in una cultura fotografica molto più ampia.
Appropriazione, messa in scena, ricerca d’archivio, serialità, narrazione costruita e analisi critica della veridicità fotografica acquistano crescente importanza. Contemporaneamente la fotografia recupera scala, colore, presenza materiale e seduzione visiva.
Il rapporto tra idea e immagine diventa quindi più complesso.
Molte forme contemporanee mantengono strategie concettuali consentendo, allo stesso tempo, una maggiore intensità visiva, ambiguità e apertura interpretativa rispetto a molte opere della prima generazione.
Questo sviluppo è essenziale per comprendere il tema nel presente.
Un metodo può sopravvivere alle condizioni storiche nelle quali è emerso. Può essere assorbito, trasformato e combinato con altre tradizioni senza richiedere agli artisti successivi di riprodurre l’aspetto o l’ideologia di un periodo precedente.
Le idee viaggiano diversamente dagli stili.
